Η Vuslat Doğan Sabancı βρίσκει στην κεραμική το «emanet», ένα «είδος εμπιστοσύνης»

Γνωστή επί δεκαετίες για τη διαδρομή της στον χώρο των διεθνών μέσων ενημέρωσης και της επιχειρηματικότητας, η καλλιτέχνης ακολούθησε τα τελευταία χρόνια μια διαφορετική πορεία, αφιερώνοντας τον εαυτό της ολοκληρωτικά στην τέχνη. Το έργο της, που περιλαμβάνει σχέδιο, γλυπτική, κεραμική και εγκαταστάσεις μεγάλης κλίμακας, παρουσιάζεται πλέον σε σημαντικούς διεθνείς, arty θεσμούς, ενώ στο επίκεντρό του βρίσκεται η έννοια του «emanet», μια τουρκική λέξη που δύσκολα μεταφράζεται, καθώς περιγράφει ό,τι μας έχει εμπιστευθεί και καλούμαστε να προστατεύσουμε και να μεταδώσουμε στις επόμενες γενιές. Στις δημιουργίες της, τα υλικά δεν λειτουργούν απλώς ως μέσα έκφρασης αλλά ως φορείς μνήμης. Το μάρμαρο, ο πηλός, η γη, η τσόχα, το ξύλο και το μέταλλο συνομιλούν με αρχαίους μύθους, ποιήματα και συλλογικές αφηγήσεις, συνθέτοντας έργα που καλούν τον να τα βιώσει. Εξίσου καθοριστική είναι για την ίδια η έννοια της «Γενναιόδωρης Ακρόασης» (Generous Listening), μια φιλοσοφία που διατρέχει τόσο την καλλιτεχνική όσο και την εκπαιδευτική της πρακτική.

Με αφορμή τη συμμετοχή της στη Biennale Σύγχρονης Κεραμικής της Ρόδου και την έκδοση της πρώτης της μονογραφίας, η Vuslat Doğan Sabancı μιλά για τη σιωπή ως δημιουργική δύναμη, τη μνήμη ως παρακαταθήκη, τη συνεργασία, την ευθύνη του καλλιτέχνη και την ανάγκη να μάθουμε, πριν από οτιδήποτε άλλο, να ακούμε πραγματικά.

Μεγάλο μέρος του έργου σας επιστρέφει διαρκώς σε μία έννοια: το «emanet». Πρόκειται για μια λέξη που δεν μεταφράζεται εύκολα στα αγγλικά και τα ελλθνικά. Με δικά σας λόγια, τι σημαίνει για εσάς το «emanet»;

Είναι μια λέξη που αντιστέκεται στη μετάφραση, και ίσως γι’ αυτό την κρατώ τόσο κοντά μου. Για μένα, το «emanet» είναι μια μορφή εμπιστευμένης παρουσίας, κάτι που δεν σου ανήκει, αλλά το φέρεις μαζί σου. Μπορεί να είναι μια ανάμνηση, μια ιστορία, μια πληγή, ένα κομμάτι γης ή ακόμη και μια σιωπή. Ζητά φροντίδα, ευθύνη και ταπεινότητα. Στην καλλιτεχνική μου πρακτική δεν αισθάνομαι ότι δημιουργώ από το μηδέν· αντίθετα, λαμβάνω, διαφυλάσσω και παραδίδω. Αυτό σημαίνει για μένα το «emanet»: μια ήσυχη, ιερή συνέχεια.

Δημιουργούσατε έργα τέχνης ιδιωτικά για σχεδόν είκοσι χρόνια πριν από την πρώτη σας έκθεση το 2022. Μπορείτε να μας μιλήσετε για εκείνη την περίοδο; Τι σας πρόσφερε ως καλλιτέχνη;

Για σχεδόν είκοσι χρόνια εργαζόμουν μέσα στη μοναξιά, χωρίς την πρόθεση να παρουσιάσω δημόσια το έργο μου. Εκείνα τα χρόνια δεν ήταν μια προετοιμασία για την ορατότητα, αλλά μια βαθιά άσκηση ακρόασης. Χρειαζόμουν αυτόν τον χρόνο για να κατανοήσω τη δική μου γλώσσα, να συνυπάρξω με την αμφιβολία, να αποτύχω χωρίς συνέπειες και να διαμορφώσω την εσωτερική μου πυξίδα. Μου χάρισε υπομονή και, ίσως ακόμη σημαντικότερο, με απελευθέρωσε από την προσκόλληση στο αποτέλεσμα, επιτρέποντάς μου να υπάρχω μέσα στη διαδικασία. Πιστεύω πως αυτά τα χρόνια επέτρεψαν στο έργο να γίνει αληθινό.

Στη διάρκεια της πανδημίας μοιραστήκατε διακριτικά ένα έργο σας στα μέσα κοινωνικής δικτύωσης, χωρίς να αναφέρετε το όνομά σας. Μια ιδιοκτήτρια γκαλερί το είδε, αναζήτησε τον δημιουργό του και τελικά αποκαλύψατε ότι ήσασταν εσείς. Από τότε, το έργο σας έχει παρουσιαστεί σε σημαντικούς θεσμούς σε όλο τον κόσμο. Πώς βιώνετε αυτή τη μετάβαση από τη σιωπή στη μεγάλη προσοχή;

Είχα μοιραστεί το έργο μου ιδιωτικά με την επιμελήτρια Chus Martínez. Η παρουσία της υπήρξε βαθιά σημαντική για μένα, είδε το έργο με μια διαύγεια και μια γενναιοδωρία που εγώ ο ίδιος δεν είχα επιτρέψει στον εαυτό μου. Ήταν εκείνη που με ενθάρρυνε, με τρόπο ήπιο αλλά σταθερό, να μην κρατήσω το έργο μόνο για μένα, αλλά να το αφήσω να βγει στον κόσμο.

Μοιράστηκα κάτι διακριτικά, χωρίς προσδοκίες. Όταν μου ζητήθηκε να αποκαλύψω την ταυτότητά μου, αυτό μου φάνηκε ταυτόχρονα φυσικό και ανοίκειο. Η μετάβαση από τη σιωπή στη δημόσια παρουσία υπήρξε λεπτή και εύθραυστη. Η προσοχή μπορεί να είναι θορυβώδης, όμως προσπαθώ να παραμένω ριζωμένος στο ίδιο σημείο από όπου ξεκίνησα, στη γαλήνη. Δεν βλέπω αυτή την ορατότητα ως άφιξη, αλλά ως μια ακόμη μορφή ευθύνης.

Στη Ρόδο, στο Biennale Σύγχρονης Κεραμικής, το νέο σας έργο, ειδικά σχεδιασμένο για τον χώρο, παρουσιάζεται στην Παναγία του Κάστρου, ένα ιερό κτίσμα μέσα στη Μεσαιωνική Πόλη που υπήρξε άλλοτε εκκλησία και άλλοτε τζαμί. Πώς επηρέασε αυτός ο τόπος το έργο που δημιουργήσατε;

Η Παναγία του Κάστρου στη Ρόδο φέρει πολλά ιστορικά στρώματα, υπήρξε τόσο εκκλησία όσο και τζαμί, ένας τόπος προσευχής διαμορφωμένος από διαφορετικές θρησκευτικές παραδόσεις. Όταν μπήκα για πρώτη φορά στον χώρο, ένιωσα πως το ίδιο το κτίριο κρατούσε τη μνήμη ως «emanet». Δεν ήθελα να επιβάλω κάτι στον χώρο, αντίθετα, προσπάθησα να τον αφουγκραστώ. Το έργο που δημιούργησα διαμορφώθηκε από την αρχιτεκτονική, το φως και τις ηχώ όσων είχαν βρεθεί εκεί πριν από εμάς. Έγινε ένας διάλογος που διασχίζει τον χρόνο.

Το νέο σας βιβλίο May We Meet in the Silence of Our Souls αποτελεί μια ουσιαστική επισκόπηση της, σύντομης αλλά ιδιαίτερα σημαντικής και πολυσχιδούς, εκθεσιακής σας διαδρομής. Περιλαμβάνει κείμενα προσωπικοτήτων όπως οι Chus Martínez, Paolo Colombo και Rüstem Aslan. Πώς ήταν η διαδικασία της δημιουργίας ενός βιβλίου που καλείται να χωρέσει τόσες διαφορετικές φωνές;

Η δημιουργία αυτού του μονογραφικού βιβλίου ήταν μια βαθιά προσωπική αλλά και σύνθετη διαδικασία. Ένα βιβλίο συγκεντρώνει φωνές, και σε αυτή την περίπτωση συναντήθηκαν πολλές διαφορετικές οπτικές, επιμελητές, συγγραφείς, στοχαστές. Ο καθένας προσέγγισε το έργο και την ιστορία του με τον δικό του τρόπο. Για μένα ήταν σημαντικό το βιβλίο να μη φυλακίσει το έργο σε μία μόνο αφήγηση, αλλά να αφήσει χώρο στην ανοιχτή επικοινωνία. Έγινε ένας τόπος όπου διαφορετικές αναγνώσεις μπορούν να συνυπάρχουν, όπως ακριβώς και το ίδιο το έργο.

Με τα χρόνια διαμορφώθηκα μέσα από τις εμπειρίες μου, αργά, σιωπηλά, όμως η τέχνη παρέμεινε πάντοτε ο τόπος όπου είμαι περισσότερο εκτεθειμένος, περισσότερο αφύλακτος. Υπό αυτή την έννοια, το βιβλίο είναι και βαθιά προσωπικό. Για μένα αποτελεί αντανάκλαση της εμπιστοσύνης και της πίστης που έχω λάβει στην πορεία μου από επιμελητές, στοχαστές, κριτικούς και ιστορικούς της τέχνης, οι οποίοι συνόδευσαν αυτό το ταξίδι με τη γνώση και την παρουσία τους. Η στήριξή τους — στην πειθαρχία μου, στη σχέση που προσπαθώ να οικοδομήσω με τον θεατή και στα έργα μέσα από τα οποία εκφράζομαι — υπήρξε ανεκτίμητη. Αυτό το βιβλίο φέρει όχι μόνο τη δική μου φωνή, αλλά και την ηχώ της δικής τους.

Τον περασμένο Μάιο παρουσιάσατε με μεγάλη επιτυχία στη Νέα Υόρκη, στην έκθεση τέχνης CONDUCTOR, τη συνεργασία σας με την Τυνήσια αρχιτέκτονα και συνιδρύτρια του στούντιο σχεδιασμού LOCUS, Sana Frini. Το έργο The House of Silence οδηγούσε τους επισκέπτες μέσα από έναν σκοτεινό διάδρομο σε έναν ήσυχο, κυκλικό χώρο, όπου ένα μεγάλο σχέδιό σας φωτιζόταν από πάνω. Τι θα θέλατε να αισθανθεί ο επισκέπτης μέσα σε αυτόν τον χώρο;

The House of Silence εμπνεύστηκε από την αρχαία νομαδική κατοικία, τη γιούρτα, μια κυκλική, φορητή κατασκευή σχεδιασμένη να μετακινείται μαζί με τους ανθρώπους που την κατοικούν μέσα σε απέραντα τοπία. Μας συγκίνησε η ιδέα ότι, ενώ ο εξωτερικός κόσμος βρίσκεται σε διαρκή κίνηση, η γιούρτα προστατεύει ένα εσωτερικό κέντρο, έναν τόπο συνάντησης, μνήμης και επιστροφής.

Στην εγκατάσταση ήθελα ο θεατής να βιώσει μια μετάβαση: να διασχίσει έναν σκοτεινό διάδρομο και να εισέλθει σε έναν εσωτερικό κυκλικό χώρο, όπου η τσόχα απαλύνει τον ήχο και δημιουργεί σιωπή, ενώ το φως έρχεται μόνο από ψηλά. Εκεί τον υποδέχεται το έργο μου «My Home in Silence». Αποτελείται από ένα μεγάλο ενιαίο φύλλο, δουλεμένο με παστέλ και κάρβουνο, συγκρατημένο με σχοινιά από μείγμα τσόχας. Η επιφάνειά του φέρει διακριτικά ίχνη χειρονομίας και χρόνου, αποσπάσματα μνήμης, προσωπικής αλλά και συλλογικής.

Αυτό που ελπίζαμε να δημιουργήσουμε δεν ήταν απλώς ένας χώρος για να τον κοιτάξει κανείς, αλλά ένας χώρος για να τον κατοικήσει. Ένας τόπος όπου μπορεί να επιβραδύνει, να στραφεί προς τα μέσα και να επανασυνδεθεί με τη σιωπή. Μέσα σε αυτή τη σιωπή αρχίζουν να αναδύονται αναμνήσεις, συναισθήματα ή ήσυχες συνειδητοποιήσεις. Και ίσως, εκείνη τη στιγμή, να συναντήσει κανείς την αίσθηση του σπιτιού.

Είστε ένας πολυδιάστατος καλλιτέχνης που εργάζεται με πολλά διαφορετικά υλικά όπως το μάρμαρο, το μπρούντζο, το χώμα, οι πέτρες, ο πηλός, η τσόχα, ακόμη και καμένο ξύλο από τις πυρκαγιές του Λος Άντζελες. Πώς επιλέγετε το κατάλληλο υλικό για κάθε ιδέα;

Για μένα, το υλικό δεν είναι ποτέ δευτερεύον. Κάθε υλικό κουβαλά τη δική του μνήμη, τη δική του ιστορία. Δεν επιλέγω τα υλικά με ορθολογικό τρόπο· είναι περισσότερο ένας διάλογος. Κάποιες φορές μια ιδέα έρχεται έχοντας ήδη μαζί της το υλικό που της αντιστοιχεί. Άλλες φορές χρειάζεται να αφιερώσω χρόνο στο να ακούσω, να αγγίξω, να περιμένω. Το μάρμαρο, το χώμα, ο μπρούντζος, το καμένο ξύλο, όλα μιλούν με διαφορετικό τρόπο. Ο δικός μου ρόλος είναι να κατανοήσω τι μπορεί να κρατήσει το καθένα.

Η τέχνη σας ξεκινά συχνά από παλιές ιστορίες και μύθους, την Ιλιάδα, αρχαία ποιήματα, ακόμη και τα καλέσματα των πουλιών. Γιατί αυτές οι παλιές αφηγήσεις έχουν τόσο μεγάλη σημασία για εσάς;

Οι παλιές ιστορίες και οι μύθοι αποτελούσαν πάντοτε μέρος του εσωτερικού μου τοπίου. Πιστεύω ότι οι μύθοι είναι το υποσυνείδητο της ανθρωπότητας και φέρουν μέσα τους τη μνήμη της. Δεν ανήκουν στο παρελθόν· είναι ζωντανοί. Η Ιλιάδα, τα αρχαία ποιήματα, ακόμη και τα καλέσματα των πουλιών μεταφέρουν κάτι ουσιώδες για την ανθρώπινη ύπαρξη. Αυτές οι ιστορίες διαρκούν επειδή μιλούν για θεμελιώδεις ανθρώπινες εμπειρίες: την απώλεια, τη νοσταλγία, τη μεταμόρφωση. Επιστρέφω σε αυτές όχι για να τις εικονογραφήσω, αλλά για να αφουγκραστώ όσα εξακολουθούν να διαφυλάσσουν.

Οι σπείρες και οι ελικοειδείς, καμπύλες μορφές επανέρχονται διαρκώς στο έργο σας. Τι σας ελκύει σε αυτές τις μορφές;

Υποδηλώνουν μια κίνηση που δεν είναι γραμμική, ένα ταξίδι που επιστρέφει ξανά και ξανά στον εαυτό του. Είναι ταυτόχρονα επέκταση και επιστροφή. Με ελκύουν γιατί αντανακλούν τον τρόπο με τον οποίο αντιλαμβάνομαι τον χρόνο και τη μνήμη, όχι ως μια ευθεία γραμμή, αλλά ως διαστρωματωμένες, κυκλικές κινήσεις.

Έχετε διδάξει στο Πανεπιστήμιο Tufts, το μάθημα Generous Listening, ενώ σε ορισμένα έργα σας έχετε συνεργαστεί με υφάντριες και γυναικείες ομάδες χειροτεχνίας στην Τουρκία. Τι απολαμβάνετε περισσότερο στη συνεργασία με άλλους, είτε πρόκειται για φοιτητές είτε για τεχνίτριες;

Η συνεργασία εμπεριέχει μια αίσθηση οικειότητας. Όταν εργάστηκα με υφάντριες και γυναικείες ομάδες στην Τουρκία, δεν βρέθηκα εκεί για να καθοδηγήσω, αλλά για να μοιραστώ και να μάθω. Αντίστοιχα, στη διδασκαλία, και ιδιαίτερα στο πλαίσιο του Generous Listening, με ενδιαφέρει να δημιουργώ χώρους όπου οι άνθρωποι αισθάνονται ότι πραγματικά ακούγονται. Αυτές οι συναντήσεις μου υπενθυμίζουν ότι η τέχνη δεν αφορά μόνο τη δημιουργία, αφορά το να υπάρχουμε μαζί, την παρουσία και τη φροντίδα.